En esta sesión seguimos la tónica de analizar la música Barroca, es este caso la obra de Vivaldi ``Las cuatro estaciones´´, en la parte del Verano.
Pudimos aprender, que esta ``parte´´ en realidad se llama concierto, cada estación es un pequeño concierto, que aborda distintos temas, intensidades, tiempos...
En este caso el Verano esta en escrita en un compás de 3 por 8, en este caso es simple, ya que sólo tiene este tiempo en todo el concierto.
En el concierto Vivaldi mezcla según lo que quiere representar signos de tiempo y matice, que hacen cambiar a la obra de velocidad y de intensidad.
En el tiempo utiliza las siguientes palabras, que indican a los músicos como deben tocar la obra: Adagio, allegro non molto, allegro, andante, presto, moderato.
También empleao palabras que designan los matices a utilizar y son :
pp Pianísimo
p Piano
mp Mezopiano
mf MezoForte
f forte
ff Fortísimo.
Pudimos ver en la partítura también como se emplea en calderón, que es el siguiente símbolo que sirve para alargar el doble del tiempo de cada figura.
El concierto tiene tres partes bien diferenciadas:
1. El canto de los pájaros
2. La pretormenta
3. La tormenta
En cada parte el concierto lleva distintas velocidades, e intensidades, si cierras los ojos te puedes imaginar la historia que está contando.
Pudimos ver que la forma de componer en este tiempo eran dos distintas, eran la Francesa, y la Italiana, que son completamente opuestas entre sí, en este caso, Vivaldi se decidió a componerla de la forma Italiana, en la que el concierto empieza rápido, luego va lento y después termina rápido.
Para finalizar la clase aprendimos que era un metrónomo, fue un instrumento de medida del tiempo, que sirvió para unificar los tiempos en la música en todo el mundo.
Este día la clase ha comenzado con la exposición y posterior aplicación didáctica sobre el libro "El elemento".
En su aplicación didáctica se han hecho pasar por alumnos/as de 6º de primaria. Han estado oyendo tres tipos de sonidos otorgándoles a cada uno un dibujo, que eran una nube, un sol y una estrella. Con todos estos sonidos han realizado un sistema de retroalimentación unido a su vez a una historia que se iba contando, en la cual cada vez que los alumnos aprendían un nivel nuevo obtenían una pista sobre el enigma que se les planteaba sobre la historia que tenía que descubrir.
La segunda exposición ha tratado sobre el libro "La comprensión musical de las estéticas del s.XX en el niño". Al principio han presentado al autor del libro.
En su aplicación didáctica han realizado una retroalimentación mediante la pronunciación de sílabas recitando aleatoriamente las sílabas cuando las habían aprendido. Más tarde, han dividido la intensidad del sonido señalando en la mono un tono muy bajo, en el hombro un tono intermedio y en la cabeza un tono más alto.
Después de estas dos exposiciones ha estado criticando las exposiciones anteriores y aportando ideas para que las próximas exposiciones salieran mucho mejor.
También hemos hablado sobre teoría, y más concretamente sobre el ritmo el cual es un hecho visual, no sonoro. El ritmo es algo que se ve.
La poliritmia es una superposición de ritmos, una superposición de capas que pertenece a los siglos XX y XXI.
La música de cada época tiene que ver con la forma de vivir que en cada época se tiene. Por ello, hoy en día vivimos a unos ritmos más altos y rápidos que en el siglo XIX. Ya que, las formas de vida han ido evolucionando.
En esta sesión, dos grupos expusieron sus trabajos y aplicaciones didácticas sobre dos libros diferentes: "¿Quién manda aquí?" y "La educación musical para el nuevo milenio".
En la exposición del primero de ellos, los estudiantes llevaron a cabo una dramatización donde un niño, a través de un videojuego, realizaba la función de "intérprete" dirigiendo las acciones de todos los personajes. En cada decisión del niño, se incluía la idea de que su experiencia era la que determinaba las diferentes respuestas y elecciones en el juego, englobando esta idea también con los diferentes conocimientos básicos que se adquieren en la escuela (operaciones básicas, ortografía, orientación espacial, etc.). Asimismo, el autor del libro (Michael Gazzaniga), aparecía en forma de personaje como mentor de la protagonista del videojuego, ayudándole a travé de hechizos con el que establecieron un particular sistema de retroalimentación del aprendizaje. Ayudándose de cada botón de la consola, establecieron para cada botón una determinada acción (palmada, chasquido, etc.), incrememtando en cada etapa del sistema la composición (p.e. dos palmadas) y complejidad de la acción (p.e. dos palmadas y un chasquido).
Tras la dramatazicación, el grupo de trabajo explicó la idea que habían querido reflejar y la argumentación principal del libro y el autor.
Por otra parte, la otra exposición relativa al libro titulado "La educación musical para el nuevo milenio" se basó en una explicación de la ideas principales de los capítulos del libro, su relevancia en la educación actual y una pequeña interpretación donde se incluía la aplicación didáctica propuesta.
Su interpretación consistió en una "carrera musical", donde los alumnos iban pasando por distintas etapas a lo largo de su crecimiento: "Educación Infantil", "Educación Primaria", "Academia musical", "Profesor privado"y "Conservatorio". De esta forma, en este último, debían elegir si enfocar la música desde dos puntos de vista muy diferentes, escogiendo tocar en el Auditorio Nacional o trabajar para una compañía discográfica. A los alumnos de cada grupo, se les pedía que realizaran una improvisación combinando las secuencia que quisieran de todo lo que habían aprendido en la etapas anteriores, pero se observaba como en la discográfica, el mentor les aconsejaba que lo importante era hacer algo comercial y de moda y en el auditorio, primaba la riqueza musical.
Tras esta interpretación, los dos estudiantes que habían desempeñado el papel de los dos profesores tan opuestos, explicaron la idea de la aplicación didáctica.
Una vez finalizadas las exposiciones, el profesor realizó la crítica de las exposiciones realizadas hace quince días y nos enseñó el ritmo de una nueva canción que iremos trabajando paulatinamente: "Take the "A" Train" de Duke Ellington. Así, él establecía la melodía principal con el piano y nosotros seguíamos con la voz las variaciones en el ritmo y la entonación.
En esta clase, escuchamos la pieza musical de la "Primavera" de Vivaldi, y a continuación, pasamos a hablar de la vida de este gran compositor. Entre las ideas que recogimos de esta clase destacaremos las siguientes:
LA PRIMAVERA DE VIVALDI
Es una pieza musical dividida en diferentes partes o como se denominaría en la música tiempos, característica propia de las piezas musicales del barroco.
Con la partitura en la mano "seguimos" con la música, esta composición musical. Esta partitura, fue analizada al dedillo entre todos los miembros de la clase, y por supuesto el profesor, en ella pudimos observar:
Se trata de un concierto. Esta palabra deriva de la forma del soneto y proviene de la palabra conchertare (conversación), en este caso entre el solista y los demás instrumentos.
Delante de algunos pentagrama, aparece un símbolo llamado armadura que sube medio tono a cada una de las notas del pentagrama en el que este situado.
En esta partitura también podemos ver, que se mezclan tres tipos de claves, para ser exactos, la clave de sol, la de fa y la de do mayor.
Como antes hemos mencionado, esta obra se dividía en tiempos y son: Allergo y Largo (sigue estando en Mi mayor, pero a una velocidad más lenta)
Se pueden observar diferentes matices, esto quiere decir, que el sonido se puede tocar de una manera muy dinámica, intercalando suave, fuerte, piano y mezzopiano.
A continuación, el profesor nos explicó a través de un power point todo lo que debemos saber de Vivaldi, un gran compositor. La información obtenida fue la siguiente:
ANTONIO LUCIO VIVALDI
Nació en Venecia el 4 de Marzo de 1678 y murio en Viena el 28 de Julio de 1741. Mas conocido como Antonio Vivaldi, fue un compositor y músico italiano perteneciente al Barroco.
La música barroca o música del Barroco, es el estilo musical europeo, relacionado con la época cultural del mismo nombre, que abarca aproximadamente desde el nacimiento de la Ópera (1600) hasta la muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750. Es uno de los estilos de la generalmente llamada música clásica o culta europea, antecedido por la música del Renacimiento y seguido por la música del Clasicismo. Caracterizada por la aparición de la tonalidad y el uso del bajo continuo, la barroca fue la época en la que se crearon formas musicales como la sonata, el concierto o la ópera.
Entre los músicos del Barroco destacan: Johann Sebastian Bach, Georg Friedrich Hándel, Antonio Vivaldi, Domenico Scarlatti, Claudio Monteverdi, entre otros...
Vivaldi estudió con su padre, Giovanni Battista, apodado Rossi (el pelirrojo), que fue violinista en la catedral de San Marcos.
Antonio Vivaldi era apodado "Il prete rosso" ("el cura rojo"), por ser sacerdote (católico) y pelirrojo. Parece ser que no siempre puede cumplir con sus obligaciones debido a su mala salud. Se sabe que sufría complicaciones respiratorias, posiblemente asma o angina. Fue acusado de abandonar el oficio de la Misa por atener a su inspiración.
Comenzó a enseñar en un conservatorio de niñas huérfanas, el Ospedale della Pietá, donde permaneció hasta 1740 como profesor, mientras componía conciertos y oratorios para los conciertos semanales.
Autor de mas de 500 conciertos y 70 sonatas, 45 óperas, música religiosa como el oratorio Juditha triumphans (1716), el Gloria en re (1708) y misas. Johann Sebastian Bach, estudió su obra mientras se formaba. Sus conciertos fueron modelo a seguir en toda Europa, influyendo en todos sus contemporáneos.
Más de 300 de sus conciertos, están escritos para solista (220 para violín y otros para fagot, violonchelo, oboe y flauta). Además escribió concerti grossi, 25 para dos violines y 32 para tres o más instrumentos y algunos son concerti de ripieno (para orquesta sin solistas).
Estableció una de las características básicas del concierto de los siglos siguientes: su uso para lucimiento del virtuoso. Fue el primer compositor que utilizó de forma coherente el ritornello. Éste se repetía en diferentes tonalidades y era interpretado por toda la orquesta- Alternaba con episodios interpretativos por el solista, a menudo de carácter virtuosos. Sus conciertos para violín opus 8, Las cuatro estaciones, son uno de los primeros ejemplos de música pragmática.
Durante su vida fue más reconocido como violinista que como compositor, siendo también acusado de repetitivo y rutinario. Desde 1713 fue compositor y empresario de óperas en Venecia, visitando además otras ciudades para supervisar las representaciones de sus óperas.
Hacia 1740, entró al servicio de la corte del emperador Carlos VI en Viena., donde Antonio Vivaldi murió el 28 de Julio de 1741. En su funeral, celebrado en la Catedral de Viena, cantaron los niños del coro de la catedral, entre los que se encontraba el compositor Joseph Haydn.
Es especialmente conocido a nivel popular, por ser el autor de la serie de conciertos para violín y orquesta, Las Cuatro estaciones. Esta obra, que forma parte del ciclo de su opus 8, "Il cimento dell'armonia e dell'inventione", tiene una importancia capital por suponer la ruptura del paradigma del concierto solí, establecido por el mismo Vivaldi. Hasta entonces, el concierto solí era un concierto en el que el instrumento solista llevaba todo el pero de la melodía y la composición, y el resto de la orquesta se limitaba a ejercer el acompañamiento según las reglas de la armonía.
